Zapata en femenino: la polémica en
México cuestiona la función del arte
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Por: Carmen Morán Breña

Cultura y culto comparten la misma
etimología, pero el curso de los
siglos se ha encargado de distanciar
ambos conceptos hasta hacerlos, en
ocasiones, irreconciliables. Si el
primero se asocia a la civilización,
el progreso y la libertad, el segundo
suele caer del lado oscuro,
primitivista, conservador. Esos dos
mundos colisionan a veces en un campo
de batalla proclive a estos
enfrentamientos: el arte. El arte es
creativo y libre, se presta a una
espiral inacabable de interpretaciones
que no encuentra acomodo en una visión
unívoca de la realidad. Una reedición
de ese choque recurrente se ha vivido
estos días en México con la exposición
sobre Emiliano Zapata en el palacio de
Bellas Artes de la capital. La muestra
es una buena tesis sobre cómo se fue
construyendo el símbolo a lo largo del
tiempo, primero como líder campesino,
después con el masculinizante traje
charro; Diego Rivera le dotó de rasgos
indígenas, otros le presentaron como
un arcángel y algunos como un mito. El
artista Fabián Cháirez le ha subido,
desnudo, con cuerpo feminizado y
zapatos de tacón, a un caballo en
plena erección. La pelea entre
defensores y detractores de la obra se
ha sucedido durante días, físicamente
y en las redes. Nada nuevo en el
universo del arte. Pero se presta a
desbrozar la linde entre culto y
cultura, o sea, entre persona y
símbolo.

“La tradición iconográfica occidental
sitúa las imágenes como forma de
gobierno y de pedagogía. Son siglos
gobernados por la función religiosa de
la imagen, cuyo carácter sagrado aún
permanece y eso es lo que inspira la
violencia de ciertas acciones como las
que hemos visto”. Se refiere el
filósofo y curador José Luis Barrios a
la distinción entre el símbolo y la
persona que debería ser imprescindible
para mirar el arte, máxime tratándose
de Zapata, construido en el imaginario
mexicano con un cierto uso teológico,
mitológico”. Y esa necesaria
diferencia la traen a colación todos
los consultados para este reportaje.
Helena Chávez apunta la relación de
este caso con la mirada indígena sobre
el arte: “En ciertas comunidades está
muy asociado al ritual, muy cercano a
lo religioso. Por eso estos choques
son constantes. Los símbolos se usan
para reivindicarnos en una tradición o
para acabar con ella, pero nunca deben
confundirse con la persona”, dice esta
experta del Instituto de
Investigaciones Estéticas de la UNAM.

No debe sorprender que en pleno siglo
XXI los ciudadanos no alcancen a
separar la paja del grano, es decir,
el Zapata histórico del icono mundial,
porque “la estética anuda el
significado con el afecto. No hay
estética si no hay una emoción o una
determinación”, dice Barrios. Eso es
lo que suscita una obra de arte:
emociones. Además, “la dimensión
estética está ligada a la política y a
la ética, porque se vincula con la
sensibilidad y con las formas de ver
el mundo. Esa sensibilidad está
construida por lo político, lo social
y lo económico y todo ello determina
lo cultural”, añade Sayak Valencia,
profesora del Colegio de la Frontera
Norte (Colef), ubicado en Tijuana.
Filósofa, ensayista y performer,
Valencia cree que “el arte sirve para
pensar, para poner preguntas en el
espacio público y es el criterio
estético, y no el moral, el que debe
influir en su crítica”.

Sin embargo, es imposible limitarse a
lo estético ante obras que lanzan
mensajes inequívocos, una tendencia
muy actual: la creación al lado de las
causas sociales y políticas. Hay dos
escuelas opuestas sobre el arte y su
función. Una primera defiende su
vocación estética y creativa mientras
que la otra le reconoce capacidad y
pertinencia para intervenir en la
sociedad, incluso sin proponérselo.
“Desde las vanguardias, el arte se
pregunta por su posibilidad de
discurso político y es ingenuo que un
artista hoy no se cuestione sobre la
implicación política de su trabajo,
sería un falta de perspectiva,
histórica, política y crítica. Este
óleo de Zapata, por ejemplo, pone en
tela de juicio el modo en que está
masculinizada la historia de la
Revolución mexicana”, dice Barrios.

Precisamente, el nuevo número de la
revista de la Universidad Nacional
Autónoma de México (UNAM) está
dedicado al arte, a sus beneficios,
sus usos, la libertad artística, su
relación con la política. El artículo
de Adriana Malvido que abre esta
publicación menciona una sentencia de
Kapuscinski: "Hoy, para entender dónde
vamos, no hace falta fijarse en la
política, sino en el arte. Siempre ha
sido el arte el que, con gran
anticipación y claridad, ha indicado
qué rumbo estaba tomando el mundo y
las grandes transformaciones que se
preparaban".

Para el curador en jefe del Museo
Universitario de Arte Contemporáneo
(MUAC), Cuauhtémoc Medina, “el arte
cambia y produce el mundo todos los
días. Pretender que el arte debe ser
inútil es una deformación ideológica y
un error teórico, porque la falta de
un propósito de origen no significa
que su intervención en la cultura y su
generación de formas de subjetividad
no cause efectos enormes. Sobre todo
si admitimos que arte no es solo el
rango de las llamadas bellas artes,
sino que debe incluir toda forma de
creación estética. De hecho, yo creo
que en el fondo de nuestra mente
sabemos que lo que llamamos arte es
una de las formas más poderosas y
significativas que tenemos para
inventar al mundo”. Pero advierte que
el arte no es una herramienta de
cambio, sino un medio para la
existencia en común. “Las obras nos
producen a todos, incluso a quienes
suponen, erróneamente, que nada tienen
que ver con el arte”.

Tradicionalmente enfrentados en sus
opiniones, a esta noción de arte le
pone el contrapunto la escritora
Irmgard Emmelhainz, quien deplora las
obras “que defienden causas, que
quieren mejorar el tejido social,
contribuir al desarrollo. Eso no es
arte, es trabajo social, por tanto, es
función de los gobiernos. No digo que
no haya trabajos interesantes en este
terreno, pero no me gusta ese arte
útil que surge con el desmantelamiento
del Estado de bienestar, que aspira a
una plusvalía constante”. Emmelhainz
aporta matices interesantes en su
defensa de una dimensión puramente
estética: “Creo en el arte que trabaja
con la filosofía de la imagen, el que
va más allá de las industrias
culturales y la mercadotecnia. El arte
útil, el que aspira a un fin ulterior,
es manipulador y emocional, porque
interpela al espectador a nivel moral.
Y manipular las emociones no me
gusta”.

El dramaturgo Eugène Ionesco zanjaba
esta cuestión entre lo útil y lo
inútil con una bella frase: "Si no se
comprende la utilidad de lo inútil no
se comprende el arte. Y un país que no
comprende el arte es un país de
esclavos o de robots, un país de gente
desdichada, de gente que no se ríe ni
sonríe, un país sin espíritu; donde no
hay humorismo, donde no hay risa, hay
cólera y odio".

En la actualidad, los museos enfrentan
al espectador con el drama de la
inmigración, con la miseria de las
mujeres en la frontera, con el
maltrato, la violencia, las
discriminaciones sexuales. Pura
política, ¿verdad? No para Emmelhainz,
quien califica estas muestras como
instrumentos para la despolitización
social. Sostiene que anulan la
capacidad de activismo de las
personas, las convierte en meros
espectadores, como cuando se miran los
desastres en la televisión. “Esa
espectaduría es una forma de
alienación. La experiencia esencial de
la modernidad es estar sentado
consumiendo imágenes”, critica. “Lo
comparo con la visión antigua de la
imaginería católica, aquellos Cristos
torturados, amoratados y
ensangrentados. Uno los observa y
siente que en su sufrimiento ya está
nuestra salvación, que no hemos de
hacer nada más. Es la misma empatía
que tenemos ante el arte útil: nos
damos por informados, por cumplidos y
eso anula nuestra capacidad de
acción”. Dicho de otro modo, vamos al
museo como el que va a misa,
lamentamos las desgracias y luego
proseguimos alegremente el domingo.

Entre el activismo y la libertad
estética se sitúa Mónica Mayer: “Hay
artistas que tenemos un interés
particular, en mi caso el feminismo, y
queremos dejar un registro, denunciar.
Lo que no quita para que otros
trabajen con la pura estética y la
investigación del arte. De todos
modos, para que un arte sea
revolucionario en lo feminista debe
serlo también en lo artístico. El arte
es libertad”, zanja esta “artista
feminista”, como gusta definirse.

En todo caso, ¿es activismo la
resignificación de símbolos, como ha
ocurrido durante décadas con el caso
de Zapata? Mayer opina que esa
manipulación de la imagen es la
materia prima con la que trabaja un
artista. “El arte es un pensamiento
complejo, hay que entender la
historia, el contexto y lo que el
artista siente en un momento dado. No
nos ponemos a pensar cómo vamos a
escandalizar. Normalmente el espanto
llega del contexto político”.

Contexto es otra de las palabras clave
en este debate. La historiadora del
Arte Karen Cordero recuerda, entre
miles, el caso de Manet y su Olympia,
aquel desnudo mundano que enfadó a los
defensores de usar la piel solo para
motivos mitológicos. La época no
estaba preparada para la audacia del
pintor. Pero el contexto tiene que ver
también con un momento político.
Algunos de los consultados mencionan
el afán del actual gobierno mexicano
por confrontar “el arte popular
indígena con el arte contemporáneo”.
Un error, a juicio de Helena Chávez:
“Está bien repensar el mundo artístico
indígena y darle su peso, pero están
poniéndolos en tensión, no están
dialogando, ni conviviendo”, dice la
experta. De ahí, explica, la
imposición del Gobierno de que se
coloque una cartela al lado de la obra
de Cháirez que expresa el desacuerdo
con la obra manifestado por la familia
del caudillo del Sur.

El neomexicanismo de los años ochenta
fue un movimiento fértil para la
resignificación de símbolos. Los
artistas tocaban material sensible sin
reparos y también hubo choques
asociados con la recreación de la
Virgen de Guadalupe con rostro de
Marilyn Monroe, de Rolando de la Rosa,
y otras creaciones polémicas. Hay
cientos de ejemplos en todo el mundo,
pero “esta dimensión política del arte
tan acusada en México viene de los
tiempos del muralismo”, según el
artista plástico Carlos Amorales,
quien menciona la enorme carga
didáctica, formativa y aleccionadora
de aquellas obras de Diego Rivera,
Siqueiros, Orozco, entre otros.

Las redes sociales son hoy la yesca
con la que prenden las polémicas, pero
las polémicas en sí, como señala Karen
Cordero, “no son nada nuevo”. Los
choques entre el espectador y la
creación tienen su origen en el siglo
XIX, cuando las obras llegan a un
público amplio, se abren los salones
de París y aparecen los críticos de
arte. Se visibilizan las opiniones”.

Cordero celebra el debate del Zapata
encuerado, titulado La revolución,
pero recuerda que desde los ochenta
hay un manejo del cuerpo diverso y muy
politizado. Y mucho antes: “El
discurso del homoerotismo nace en la
cultura clásica. De hecho, es esencial
en la cultura hegemónica del arte. Ya
[Johann Joachim] Winckelmann en su
historia del arte en el siglo XVIII
celebra el erotismo homosexual, por
tanto, no solo está en las obras, sino
en el discurso artístico". Esa
homosexualidad masculina muy tolerada
entre los pinceles, dice Cordero, "es
parte del sistema patriarcal. Era casi
una válvula de escape dentro de la
normatividad plástica”.

Debates y polémicas en un campo
abonado, el del arte, que cuestionan
la utilidad y los usos de la creación
artística, que no debe apartarse de la
libertad. “Todo argumento sobre cómo
debe o no ser la práctica cultural es
una expresión del miedo”, zanja
Cuauhtémoc Medina. “Estamos en un
momento donde la cultura y el arte han
asumido su constante cuestionamiento y
la productividad de explorar su
relación con la historia y el mundo.
El cuestionario que artistas,
pensadores e instituciones se hacen
estriba en pensar la contingencia de
las relaciones entre invención poética
y potencial político, entre
subjetividad y forma, y entre la
experiencia histórica y la posibilidad
de una cultura”.

## Muy macho o bisexual

En los últimos días, los defensores
del Zapata afeminado, es decir, de la
libertad en el arte, gritaban en las
calles: Si Zapata viviera con nosotros
estuviera. El ripio da qué pensar.
Preguntados dos expertos, el escritor
Pedro Ángel Palou, autor de la novela
histórica Zapata, editada por Booket y
el historiador Felipe Ávila, que
publicó  Zapata. Lucha por la tierral
la justicia y la libertad (Crítica),
ambas versiones no pueden ser más
dispares.

Palou habla del caudillo del Sur como
un hombre alejado de tesis
conservadoras y de una probable
bisexualidad. Menciona una relación
con el yerno del dictador mexicano
Porfirio Díaz, Ignacio de la Torre.
"Así que el lema sí Zapata viviera con
nosotros estuviera no es
históricamente muy lejano. Sí Zapata
viviera apoyaría las libertades, los
derecho humanos, a las minorías", dice
en un correo electrónico.

Por teléfono, Ávila está de acuerdo en
que Zapata apoyaría " a los indígenas,
a los campesinos, la igualdad entre
hombres y mujeres, los derechos
humanos, los derechos de los niños, la
protección del medioambiente... pero
no estoy tan seguro de si apoyaría los
derechos de cuarta generación, son más
recientes, otro contexto distinto al
que él vivió", dice. Y cita el aborto,
por ejemplo, "y las minorías étnicas,
religiosas y sexuales". Porque, dice,
su cultura fue tradicional, machista y
rural. "Era el estereotipo del macho
mexicano, tuvo muchas mujeres. No
tengo el  menor indicio de que fuera
homosexual, algo que he comentado con
otros expertos zapatistas, como John
Womack. Los historiadores serios no
encuentran indicios de eso".

Palou se emociona más trayendo a
Zapata hasta nuestros días: "No era
muy propenso al arte pero sí a la
estética, de allí su gusto por vestir
bien. La mascada azul que tiene puesta
el día en que conoce a Pancho Villa
era de seda azul, por ejemplo, y se
mandó a bordar en oro un sombrero
charro para la ocasión. Amaba la
música. Tuvo también varias mujeres
además de Josefa Espejo. Manuel
Palafox, su secretario lo traicionó
por celos. La muerte de Zapata es una
venganza de él, una especie de crimen
pasional. Guajiros al servicio de
Carranza en Chinameca, sí, pero
delatado por Palafox. ¡Mucha tela de
dónde cortar!"

## Vía:
https://elpais.com/cultura/2019/12/18/actualidad/1576696416_401418.html