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       # taz.de -- Hyperrhythm aus USA und GB: Wenn der Körper als Hirn genutzt wird
       
       > Mensch und Maschine, Licht und Dunkelheit: neue Alben der US-Künstlerin
       > Jlin und des britischen Produzenten Actress.
       
   IMG Bild: Mit dem Kopf kaum zu erfassen: die komplexen Rhythmen der US-Künstlerin Jerrylinn Patton alias Jlin
       
       In unberechenbaren Schüben erklingen abgehackte Stimmen. Wie in einem
       Schluckauf hüpfen sie über unvermittelt einsetzende, trockene
       Trommel-Sounds, scharfe Snareschläge und einen untergründig schubsenden
       Bass. Es fällt schwer, den Aufbau des Tracks „Nandi“ zu erfassen, der sich
       auf dem neuen Album „Black Origami“ von der US-Künstlerin Jerrylinn Patton
       alias Jlin findet.
       
       Statt diesen Hyperrhythmen mit dem Kopf zu folgen, fällt es leichter, ihnen
       durch körperliche Bewegung nachzuspüren. Der britische Schriftsteller und
       Journalist Kodwo Eshun erfand in seinem 1998 erschienen Buch „More
       Brilliant than the Sun“ (deutsch: „Heller als die Sonne: Abenteuer in der
       Sonic Fiction“) den Begriff „Hyperrhythm“. Auf die schnellen Breaks des
       seinerzeit in voller Blüte stehenden Drum ’n’ Bass bezogen, bezeichnete
       Eshun damit einen Rhythmus, den wir nicht mehr intellektuell fassen können.
       Um solche Beats zu verstehen, muss stattdessen der ganze Körper als Hirn
       genutzt werden. Rhythmus wird so zur Schnittstelle zwischen der Maschine,
       die ihn erzeugt, und dem Menschen.
       
       Die elektronischen Stücke von Jlin stehen mit einem Bein in der Tradition
       US-amerikanischer Clubmusik. Sie machte ihre ersten Schritte mit Footwork,
       einem Dancefloor-Genre aus ihrer Heimatstadt, das eng an Tanzkultur
       geknüpft ist. Das Herz der Footwork-Szene, die in der Tradition von
       House-Musik steht, schlägt nun mal in der „Windy City“ Chicago.
       
       Unweit der windigen Stadt liegt die Industriestadt Gary im US-Bundesstaat
       Indiana, wo Jlin aufgewachsen ist und heute noch lebt. 2011 tauchte sie mit
       zwei Tracks auf dem zweiten Teil der Compilation „Bangs & Works“ des
       britischen Labels Planet Mu auf, die der schnellen, auf zerhackten und neu
       arrangierten Samples basierenden Musik über Chicago und die USA hinaus
       internationale Aufmerksamkeit verschaffte.
       
       ## In tausend Splitter zerbrochene Tracks
       
       2015 gab die Musikerin mit ihrem Debütalbum „Dark Energy“ ein starkes
       Statement ab, das Footwork schließlich abstrahierte. Statt auf Samples aus
       Soul, Funk und HipHop zu setzen, baut Jlin ihre Tracks aus selbst
       gefertigten Klängen. „Angefangen habe ich mit Footwork, aber es hat sich zu
       etwas anderem entwickelt“, rekapituliert sie und stellt klar: „Ich bin
       keine Footwork-Künstlerin.“ Dennoch erinnern ihre Beats an den rollenden
       und gleichzeitig hakeligen Rhythmus des Genres. Und auch die Machart der
       Tracks zeigt, in welcher Schule sie gelernt hat. Sie basieren auf Cuts, auf
       dem Zerschneiden und Zusammenfügen von kleinteiligen Sequenzen. Die Tracks
       wirken, als seien sie erst in tausend Splitter zerbrochen und anschließend
       wieder zusammengesetzt worden.
       
       Unzählbare Schläge bäumen sich zu hyperaktiven Beats auf. Wie Kodwo Eshun
       in „More Brilliant than the Sun“ ausführt, erzeugt maschinell produzierte
       Musik aber keineswegs weniger Gefühle. Auch bei Jlin intensiviert ihre
       Arbeitsweise eher die Erfahrung von Emotionen. Die Klänge, die um die
       synthetischen Drums herumschwirren, sind eindringlich, hin und wieder
       unangenehm und lassen energische Fluchtbewegungen in den Körper fahren.
       
       Harmonien gibt es wenige, stattdessen erklingen hin- und hergerissene
       Gesangssamples, begleitet von pulsierenden Subbässen und disharmonischen
       Klängen von Synthesizern. „Wenn ich etwas produziere, ist es immer ein
       Ausdruck meiner Persönlichkeit“, erklärt Jlin der taz. „Alles kann in
       Rhythmus übersetzt werden – allerdings geht es mir nicht allein darum. Die
       Klänge müssen sich richtig anfühlen. Wenn sie das nicht tun, bedeutet
       Rhythmus gar nichts!“
       
       Die US-Produzentin erforscht klangliche Dunkelheit ohne negative
       Vorzeichen. „Ich kann nicht ändern, wie Menschen denken, aber ich kann
       meine Auffassung durch meine Arbeit und in Interviews teilen“, sagt sie.
       Für Jlin birgt Dunkelheit Schönheit und Kraft. Damit fordert sie
       nachdrücklich eine kulturhistorische Bewertung heraus, die die Farbe
       Schwarz und Düsterkeit negativ versteht. Diese Annahme dient für
       rassistische Ideologien zur Legitimation von Diskriminierung und Gewalt
       Schwarzer Menschen durch Weiße. Auch gegen solche gesellschaftlichen
       Ergebnisse der Wahrnehmung von Dunkelheit möchte Jlin angehen. Das liege in
       ihrer Verantwortung als Nachfahrin von Menschen aus Afrika, erklärt sie.
       
       Mit dem Verhältnis von Helligkeit und Dunkelheit spielt auch der britischen
       Produzent Darren Cunningham alias Actress, wie er mit Blick auf die Musik
       auf seinem vor kurzem erschienenen Album „AZD“ (sprich „Acid“) erklärt.
       „Wenn ich nicht durch klangliche Gesten Licht in Teile der Dunkelheit
       bringe, versuche ich es mithilfe von Struktur oder dem Narrativ der Tracks.
       Das kann die Melodie sein, die so aufgebaut ist, dass sie auf Hoffnung
       anspielt, was eine andere Form von Licht ist. Es kann tief begraben oder
       näher an der Oberfläche sein, aber man wird das in allen Stücken finden,
       die ich bis jetzt gemacht habe.“
       
       Bei den Tracks auf „AZD“ arbeitet er mit stampfenden Beats zwischen HipHop,
       House und Techno und lässt über eine dicke Rauschpatina gleißende
       Synthesizer erklingen. Damit verweist die Musik mehr als ein Mal auf die
       Tradition von Techno in Detroit. In der futuristischen Maschinenmusik
       trifft Licht auf Metall, wird gebrochen reflektiert und verschwindet wieder
       im Dunkel.
       
       ## Die Grenze zwischen Mensch und Cyborg löst sich auf
       
       Auf dem Cover von Actress’ Album berühren sich zwei Hände, eine aus Fleisch
       und Blut, die andere verchromt. In der Spiegelung verschmelzen sie, die
       Grenze zwischen Mensch und Cyborg löst sich auf. Das Humanistische begegnet
       dem Posthumanen – zwei Tendenzen, in die sich für Kodwo Eshun Ende der
       1990er die „Futurhythmaschine“ bewegte. Damals stellte er klar, dass
       „humanistischer“ Rhythm & Blues nicht einfach als Gegensatz zu
       „posthumanem“ Techno betrachtet werden kann.
       
       Heute geben sich bei Actress die beiden Aspekte die Hand. Groovende,
       atmende Beats treffen auf schillernde Flächen und präzise antreibende
       Kickdrums im 4/4-Takt. Einer Auffassung von Rhythmus als rein maschinelle
       Information, die aus klar bestimmten Entweder-oder-Eingaben besteht,
       widerspricht die Undeutlichkeit als bevorzugte Ausdrucksform von Actress.
       Der Produzent lässt sich trotz Verweisen auf Detroit Techno, Rap oder
       Ambient mit seiner von ihm selbst als „R&B Concrète“ getauften Musik, die
       er seit 2008 auf bis jetzt sechs Alben präsentiert hat, nicht auf ein Genre
       festlegen.
       
       Dazu kommt der gedrungene, fragmentarische Stil. Auf „AZD“ tummeln sich wie
       in älteren Arbeiten in rauschig-verqualmten Geräuschnebeln absaufende
       Beatkonstruktionen. Auf ihnen balancieren wankende Melodien, die immer
       wieder von vibrierenden Bässen ins Taumeln gebracht werden.
       
       Nicht nur die Beats, sondern die einzelnen Spuren eines Tracks
       zusammengenommen, formen für Actress als Einheit den Rhythmus. „Ich
       versuche zu zeigen, dass Rhythmen eingefroren werden, sobald sie
       aufgenommen wurden“, führt er aus. „Der eigentliche Prozess ist also die
       rhythmische Geste.“ In der Momentaufnahme dieser Geste, die sich aus
       verschiedenen Aktionen ergibt, erkennt der Produzent eine „nebelhafte
       rhythmische Qualität.“ So gleißend scharf Chrom glänzt, so unscharf sind
       die Konstrukte, die Actress damit überzieht. Im Zentrum des Rauschens und
       Pochens, Flirrens und Schlingerns steht Menschlichkeit.
       
       Wo Jlin mit Hyperrhythmen die Wahrnehmung von Musik auf den gesamten Körper
       ausdehnt, erforscht Actress die Verbindung von Mensch und Maschine. Diese
       Experimente erzeugen Emotionalität, die nicht schwarz oder weiß ist. Im
       Rauch verschwimmen Dunkelheit und Licht, werden vorausgesetzte Bewertungen
       in Frage gestellt.
       
       5 May 2017
       
       ## AUTOREN
       
   DIR Philipp Weichenrieder
       
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